辛迪·舍曼
这幅照片是辛迪·舍曼继其突破性的系列作品《无题电影剧照》（1977—1980）后的延续之作。她假装自己是一名年轻的女演员，在虚构的场景中扮演了很多个角色。
《杂志中心跨页》这个系列最初是为《艺术论坛》杂志创作的。舍曼的想法是模仿色情杂志中心跨页的图片，并参照电影的宽银幕形式创作。同时，她改为拍摄彩色照片。
评论家彼得·施杰达尔解释说：“这种摄影方式相当于拍摄电影的一个镜头。照片使用宽银幕比例 2 英尺 ×4 英尺，高角度中景构图，采用‘经典’电影布光，强化色彩，并使用方法演技来塑造人物形象。”
电影所带来的超现实感，与基于某种在真实世界中确实存在的东西的虚构幻想相结合，这就是舍曼的创作核心。这幅照片中的女性看上去处于恐惧之中，好像要被什么攻击，也许舍曼正是想借此来表现对女性的压榨所带来的危险。就像她所解释的：“鬼故事或者童话中对恐怖的着迷，对我来说，往往是一种应对未知的方式……这就是为什么展示这些人为痕迹对我来说十分重要，因为世界上真正可怕的事情是无可比拟的，是过于深层的。”
尽管这些照片看上去很像电影片段，但舍曼小心地使它们不会太精确地呈现出自己的灵感来源。她说：“有些人告诉我他们想到了我的照片参照了某部电影，但事实上在创作时我没有想到任何电影。”这些创作是关于自身形象的，也是关于我们是如何为世界创造面孔的，不管这些面孔是否真能表达我们自己的感受。
创作建议和技法
在创作这些照片时，舍曼全凭直觉创作，在创作过程中让画面中人物的样子慢慢显露出来。但她一直强调自己不是在拍摄自拍照，也不是伪装成别人的形象，而是纯粹为相机镜头创造某种角色。她会留下一些小线索，让观看者与她创造出的人物形象产生联系。她不认为自己是一名演员；她想在作品中
寻找某种感觉，而扮演某种人物只是这一过程的必然结果。她发现自己上阵当模特比与他人配合更有效，因为自己能摆出更极端的姿态。
舍曼的作品探索了如何利用自已作为形象多变的模特，运用多种手段，进行多种门类的创作，但这本身也有难处，因为需要避免出现重复感。由于舍曼是一名成熟的艺术家，因此她对于作品中一直连续出现的主题会感到游刃有余。
自拍照在摄影创作中有着漫长的历史，很多艺术家都自己当模特，探索自己的精神世界。相较于与模特配合，将自己作为拍摄对象，可以将影像推向更深远的地方。正如舍曼的作品那样，你可以通过认真的表演和构图，表达自己对于社会的见解。舍曼通常用一面镜子来帮助自己塑造形象，这样，在某种程度上，她在为自己表演。其他的摄影师如李·弗里德兰德会利用其他的反光面（比如画面中的一面镜子）将自己放入拍摄场景之中。
马丁·帕尔（英国，1952— ）是最高产、最具影响力的现代摄影师之一，这不仅仅是因为他自己出色的作品，还因为他在收集和推广摄影书上所做的工作。帕尔一生都钟爱拍摄物质主义文化及其对人们生活的影响，正如他所说，他的摄影是“观察西方中产阶级和他们对物质丰盛的无尽追求”。帕尔继承了托尼·雷 - 琼斯的传统，在照片中探索英式生活的仪式感，并结合了乔尔·迈耶罗维茨、威廉·埃格尔斯顿和史蒂芬·肖尔所代表的美国彩色摄影手法。他如饥似渴地收藏昙花一现的摄影印刷品，特别是明信片。约翰·欣德为巴特林度假营所拍摄的明信片色彩明亮、饱和度高，对帕尔后期的创作产生了极大的影响。
“我真正相信平凡的事物远比人们描绘的那些事物有趣。”
马丁·帕尔
马丁·帕尔通过拍摄大型项目来探讨充满物质主义文化的世界，但同时他也对摄影这种媒介本身着迷并广泛探索摄影的形式，尝试用不同的手段来呈现世界。
他拍摄彩色照片最初用的是内置了闪光灯的普劳贝尔玛奇纳中画幅手持胶片相机。在创作《最后的度假胜地》（1986 年）时，他就使用了这台相机。《最后的度假胜地》记录了英格兰北部利物浦附近的度假村新布莱顿衰败的景象，是帕尔的一个突破性的摄影项目。
这幅照片选自《常识》系列，在该系列中，帕尔探索了如何用微距捕捉丰富的细节，来呈现过度的消费主义、快餐和时尚。他运用闪光灯和业余胶片给照片带来极其饱和的色彩，增强了画面的莽撞感。每一个细节都被清晰呈现，小孩子指甲缝里的污垢和白色的糖霜形成了鲜明的对比。画面的色彩简单但富有冲击力，蓝色的衣服提供了协调的背景，圆鼓鼓的红色袖子从背景中跳出来，与甜甜圈的形状相呼应。
帕尔对细节的强烈兴趣帮助他避免了一些关于他是否在利用拍摄对象的批评。他是少数几个把幽默感作为视觉策略一部分的摄影师之一，也乐于承认自己作品中所体现的讽刺意味。他喜欢普通人和日常生活，从中发现了很多摄影师都不曾注意到的丰富的拍摄题材。因此，帕尔的作品是我们的视觉史的重要一部分。
创作建议和技法
帕尔在拍摄时距离人非常近，常常令人不自在。他穿着短裤和凉鞋，像一个在度假的英国中产阶级人士，与“专业摄影师”的形象截然不同。他从来不去看他拍摄的人物，尤其是在按下快门后，如果有人拒绝被拍照，他就会换一个目标。
帕尔发展了利用日光平衡闪光的技术，以增强画面的色彩饱和度及超现实感。这意味着他并不需要借助 Photoshop 来提升色彩的表现力。在拍摄特写时，他使用微距镜头和环形闪光灯。在拍摄有一定距离的物体时，他会将柔光罩安在自己的闪光灯上，让光线更柔和，并且通常会将闪光灯的输出功率设定为相匹配或略超过日光的曝光量。这项技术对于给明亮阳光下的阴影补光很有用，或者当拍摄对象是背光时，也会很有用。如果使用的是内置闪光灯，先进行测光，再根据要使用的光圈来设置闪光灯的输出。因为闪光时间极为短暂，所以不会受到快门速度的影响。要学会这项技术，可以在晴朗的一天外出拍摄，最好能带一名模特。设定好主曝光值，比如快门速度 1/250秒，光圈 f/8。接着进行一组曝光，每次曝光的闪光灯输出都低于或高于你设定的光圈。现在的大多数相机和闪光灯都有曝光补偿功能，因此你可以直接调整到相应比例。接着，继续拍摄，但这一次将主曝光值减少一挡，再减少一挡。这样，闪光灯就变成了主光源，此时画面中的背景会变暗，这就营造出了强有力的效果。
威廉·克莱因（美国，1928— ）是最为反叛，也是精力最为充沛的摄影师之一。他不断变换运用广角、模糊、颗粒及失焦等手法，在 20 世纪50 年代为摄影注入了新的活力。他进入巴黎大学学习，随后师从画家费尔南·莱热。不过，在他的一次开放性的动态雕塑展上，他结识了当时《时尚》杂志的艺术总监亚历山大·利伯曼，受邀前往《时尚》杂志工作。他打破了时尚摄影界所有的惯例与教条，改为在街头拍照，并将相机和胶片运用到了极致。随后，他将这一方式用于拍摄自己土生土长的纽约街头，并出版了名为《纽约的生活是美好的，是适合你的：恍惚中目击的狂欢》（1956 年）。他形容这本书是“伪人种学、滑稽的模仿，达达主义”，并表示他是将“博物馆勘探队记录肯尼亚基库尤人的方法运用在了记录纽约客上”。他在巴黎、罗马和东京也创作了类似的项目，后转行拍电影。多年后，他又重新开始拍照。
“我会在负片上施展剪裁、模糊或其他的处理技法。我从没见过适合纽约的干干净净的处理技法。我都能够想象自己拍的照片像《纽约每日新闻》一样躺在排水沟中。”
威廉·克莱因
这幅构图密集的照片是威廉·克莱因 1956 年出版的纽约市摄影集的开篇，画面中四位被摄对象的面部在边缘处被拉伸，充分呈现了他用广角镜头无限接近拍摄对象的标志性手法。他将这座城市的多元文化生活捕捉在了一个画框中，一场感恩节游行让不同的种族和类型的人们在街角机缘巧合地组成了一个整体。照片用胶片拍摄，之后的编辑过程令克莱因狂喜，他回忆说：“我一看到照片小样，心就砰砰跳了……我喜欢试试自己的运气，冒一冒险。”
尽管拍摄距离非常接近，但他声称绝大部分的人都没有感到任何的不适或者威胁，并且在镜头前表演得十分投入：“如果他们完全没有防备，也不摆姿势，就可能会出现模棱两可的表情。眉头无缘无故皱起，也许是毫无意义的。”他进一步解释说，近距离接触的情况下，被摄对象会揭示一部分自我：“人们显露出的自己可能是暴力的或温柔的，疯狂的或美丽的。但从某种程度上来说，他们揭示了自己是谁。这就好像是自己给自己拍摄的自画像。”克莱因自学成才，抵触专业摄影所设定的条条框框，倾向于更加松弛，凭借直觉的拍摄手法。因此他自成一派，找到了更加适合城市喧嚣的创作风格。
创作建议和技法
拍摄这幅照片时，克莱因使用一支 28mm 广角镜头来靠近拍摄对象，使他能够拍下较大的视线范围，捕捉到他周围的街头所散发的能量他认为亨利·卡蒂埃 - 布勒松用的 50mm 标准镜头对他的视角来说过于精准，他需要广角镜头所带来的流动性和夸张性。不过，他很清楚一点，天下没有最完美的镜头，因为在现实中人们是使用双眼来观察事物的，这是相机无法比拟的。28mm及视角更广的超大广角镜头会造成畸变，但在克莱因的手下，这种变形却能给场景增添超现实感和视觉动感。因此只要你心里清楚场景要发生畸变，那么它就可能成为十分有效的表达手段。照片边缘的畸变程度最大，所以尤其要谨慎处理。
克莱因的拍照经验有限，但正是这一点，让他免于受到传统拍摄技术的限制。他缺少专业训练，这让他能够运用“没有任何禁忌的手法：模糊、颗粒、对比、歪斜的构图、意外，或任何可能出现的效果”。他认为模糊并非使用相机的人为把戏的效果，而是根植于生活本身的。尝试将相机的 ISO 调到非常高，拍出噪点和颗粒感，也可用 1/8 秒或 1/15 秒的曝光时间在街头进行一整天的拍摄，来看看模糊效果是如何为场景增添活力与戏剧感的。
克莱因开始用数码相机拍照后，感受到一种释放。不过，和其他很多在胶片时代就掌握了这门艺术的摄影师一样，他认为数码相机有一个缺点，因为捕捉画面的速度太快，因此拍照再也不会出现意外的惊喜。
以上图片和文字选自《跟大师学摄影》
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《 跟大师学摄影 》
作者：保罗•洛（Paul Lowe）
出版社：浙江摄影出版社
开本：16 页码：288 装帧：平装
ISBN:9787551419048
出版日期：2019年1月
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作者介绍：
保罗•洛（Paul Lowe）博士是伦敦艺术大学旗下伦敦传媒学院新闻与纪实摄影硕士课程的学科带头人，同时也是一位卓有成就的摄影家，曾四次获得著名的世界新闻摄影奖，其作品发表在《泰晤士报》《新闻周刊》《生活》《星期日泰晤士杂志》《观察家报》《独立报》等媒体上。他还经常参与关于摄影、媒体、教育的国际学术研讨会。他出版的图书有在2005 年出版的《波斯尼亚人》，该书纪念了波斯尼亚战争结束十周年。
《跟大师学摄影》
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